들어가며
작곡가의 수만큼 노래를 쓰는 방법도 다양합니다. 이제 막 시작했든 이미 많은 곡을 작곡했든 관계없이 작업을 개선하거나 더 잘 구성할 수 있는 방법이 있는지 알아보기 위해 작곡 과정을 면밀히 살펴보는 것이 좋습니다. 이 게시물에서는 작곡가가 작곡 작업을 수행하는 방식을 살펴보고 자신만의 곡을 작곡하는 데 사용할 수 있는 단계별 프로세스를 제공합니다. 또한 작곡 기술을 향상하는 데 사용할 수 있는 몇 가지 작업 단계와 작곡가를 위한 유용한 학습 리소스도 제공하겠습니다.
많은 작곡가들은 작곡 재능이 당신이 갖고 있거나 갖고 있지 않은 특별한 재능이라고 주장합니다. 최소한 어느 정도의 재능이 필요한 것은 사실일 수도 있지만, 작곡의 예술과 기술을 가르치고 배울 수 있다는 것도 확실히 사실입니다.
작곡 분야에 대학 학위가 제공된다는 사실이 이에 대한 증거입니다. 작곡을 공부하는 것은 당신이 가지고 있는 재능과 능력을 최대한 활용하기 위해 타고난 재능을 개발하고 다듬는 기회가 될 수 있습니다.
작곡의 단계
노래를 작성하는 방법에 대한 간단한 단계별 설명은 다음과 같습니다.
- 제목을 선택하거나 노래 주제를 결정하세요.
- 후크/ 코러스 작성
- 메인 멜로디 쓰기
- 노래 구조를 선택하세요
- 벌스 작성
- 브릿지 작성
- 가사 쓰기
- 데모 버전 녹음
- 다른 악기 추가(필요한 경우)
- 제대로 작동하지 않는 부분을 듣고 개선하세요.
작곡을 시작하는 방법
노래를 만드는 것은 시작과 중간, 끝이 있는 프로젝트와 같습니다. 어디서부터 시작해야 할지가 가장 먼저 직면하게 될 중요한 결정입니다
일부 아티스트는 제목, 가사 또는 주제로 시작하는 반면, 다른 아티스트는 코드 진행, 멜로디, 리듬감 또는 템포를 가지고 작업을 시작할 수도 있습니다. 실제로 그것에 대해 옳고 그른 방법은 없습니다. 그것은 당신에게 가장 적합한 것이 무엇인지에 달려 있습니다. 항상 동일한 접근 방식을 사용할 필요는 없습니다. 노래마다 다른 접근 방식을 시도해 볼 수 있습니다.
자신의 기술과 업무 능력을 발전시킬 수 있도록 정기적으로 노래를 쓰는 것이 중요합니다. 몇 곡의 좋은 곡을 만들기 위해 많은 곡을 써야 한다는 것을 이해하세요. 대부분의 전문 작곡가는 수백 곡의 노래가 포함된 카탈로그를 보유하고 있으며 이는 하루아침에 이루어지지 않습니다. 자신이 작곡가가 되기로 결정했다면 어쨌든 작곡 작업을 시작하는 것이 가장 좋습니다.
취미로 곡을 쓰든, 전문적인 작곡가가 되기로 결정했든 간에 꾸준히 써야 합니다. 곡을 꾸준히 써야 감각도 유지되고, 점점 더 발전하는 자신을 볼 수 있습니다. 곡을 많이 쓸 수록 좋은 곡을 쓸 확률도 높아집니다. 아무리 어려워도 포기하지 말고 꾸준히 작곡하려고 노력하길 바랍니다.
작곡의 단계별 설명
이제 노래를 작곡하기 위한 단계들을 따라가 보겠습니다. 절대적인 지침은 아닙니다. 선호에 따라 순서는 얼마든지 변경될 수 있습니다.
제목을 선택하거나 노래 주제를 결정하세요.
노래는 생각지도 못한 경험으로 시작될 수도 있습니다. 일상의 아주 평범한 경험도 노래를 위한 영감이 될 수 있습니다. 어떤 경험에 대해 쓸 지 정했다면 그 다음은 멜로디를 붙이고, 가사를 붙여 보세요. 부담을 가지지 않는 게 중요합니다. 가사와 멜로디는 언제든 수정할 수 있다는 생각을 해야 합니다. 중요한 이야기입니다. 일상에서 겪는 경험과 깨달음을 소중히 여겨야 합니다. 그것들이 다듬어지고 어떤 규칙에 의해 배열되면 훌륭한 노래가 될 수도 있으니까요.
평소에 노래로 하고 싶었던 이야기가 있다면 그걸 주제로 결정하세요. 어떤 분위기의 노래를 쓸 건지, 어떤 제목을 지을 건지 생각해 보세요. 대부분 평소의 경험이나 깨달음에서 영감이 오는 경우가 많습니다.
후크/코러스를 작성하세요
인기 있는 노래에는 거의 항상 듣는 사람에게 남는 부분이 있습니다. 작곡가들은 이것을 후크(Hook)라고 부릅니다. 유행하는 노래에서, 중독성있는 부분을 이야기합니다. 뉴진스의 Hype Boy를 생각해 보면 이해하기 쉬울 겁니다. 중독성 있는 후크는 릴스에서 쓰여 더 많은 사람에게 알려지기도 합니다. 대부분 후크는 보컬 후렴구에 있는 경우도 있습니다. 후크는 노래가 아니라 짧은 악기 연주일 숫도 있습니다.
후크는 청취자가 쉽게 기억할 수 있도록 상대적으로 짧아야 하므로 일반적으로 길이가 2~4마디입니다. 유명한 노래의 후크를 들어보고 그것이 왜 그렇게 잘 작동하는지 분석해 보세요. 그런 다음 자신만의 후크를 작성해 보세요.
노래의 멜로디 쓰기
대부분의 작곡가는 자신의 노래가 기억에 남고 기억에 남으며 청취자가 쉽게 떠올릴 수 있는 노래를 원합니다. 작곡은 코드와 리듬부터 스타일, 형식, 가사에 이르기까지 다양한 음악적 요소를 사용합니다.
흥얼거리면서 기타의 코드를 치거나, 피아노의 음표와 코드를 연주할 때 멋진 멜로디가 튀어나올 수도 있고, 멋진 기타 리프나 베이스 라인(멜로디이기도 함)을 칠 수도 있고, 당신의 머릿속에는 멜로디의 한 조각만 있을 수도 있습니다. 다양한 종류의 멜로디가 있고 이를 작곡하는 방법도 다양합니다.
멜로디는 코드 기반일 수도 있고, 코드에 맞는 음계를 기반으로 할 수도 있습니다. 따라서 자신만의 노래 멜로디를 작성하는 데 정답은 없습니다. 스케일이나 코드를 기반으로 작성하든, 고음이나 저음을 집중적으로 사용하거나, 스텝과 큰 도약을 혼합하고, 약간 변경하여 프레이즈를 반복하고, 대위법을 사용하고, 하모니 파트를 추가하고, 주제별 접근 방식을 사용하고 가사와 멜로디가 어떻게 함께 작동하는지 느껴 보면 됩니다.
또한 노래의 다양한 섹션이 어떻게 함께 작동하는지 고려해야 하며, 인트로나 나중에 다른 곳에서 다시 나타나는 다른 섹션에 일부 멜로디를 사용하는 것도 고려해야 합니다. 위에 서술한 내용은 작곡가와 편곡가가 멜로디를 작곡할 때 사용하는 몇 가지 기술입니다. 여러분도 자유롭게 자신만의 기술을 생각해 보세요.
노래 구조를 선택하세요
노래에 대한 컨셉, 제목, 가사, 멜로디, 코러스 또는 후크가 이미 작성되어 있는 경우 다음으로 노래 구조를 결정할 수 있습니다. 대부분의 노래에는 도입부(Intro), 절(verse), 후렴(chorus)이 있으며 여기에 브리지를 작성하거나 후렴을 추가하는 것을 고려할 수 있습니다.
노래의 모든 섹션을 구성하는 방법에는 여러 가지가 있으며 때로는 올바른 구조를 얻는 것이 실제로 노래를 하나로 만드는 요소입니다. 노래에 적합한 구조를 찾으려면 섹션 연주를 반복해서 연습하여 따라야 할 가장 자연스러운 섹션이 무엇인지 확인해야 합니다. 귀를 기준으로 하면 됩니다. 듣기 자연스럽고 매력적인 구조를 선택하세요.
각 파트의 길이와 한 파트가 다음 파트로 어떻게 흘러가는지 주의 깊게 살펴보세요. 섹션이 특정 순서로 이루어져야 한다는 규칙은 없습니다. 코러스나 절로 노래를 시작하기로 결정할 수도 있지만, 노래에 가장 적합한 것이 무엇인지 결정하는 것은 전적으로 당신에게 달려 있습니다.
벌스를 쓰세요
제목이나 아이디어로 시작해서 후렴과 후렴구까지 떠올랐다면 이제 벌스 쓰기에 집중하면 됩니다. 벌스는 노래의 한 부분이라는 뜻입니다. 킬링벌스(Killing Verse)라는 말 들어보신 적 있나요? 어떤 노래에서 가장 죽여주는 부분이라는 뜻입니다. 가장 유명하거나, 좋은 부분(특히 가사가 좋은)을 의미합니다.
벌스의 가사는 이야기를 전달할 수도 있고 상당히 무작위일 수도 있습니다. 어느 쪽이든, 단어의 소리에 주의를 기울이고 단어가 멜로디와 어떻게 작용하는지에 집중하세요. 작곡가들은 이것을 운율이라고 부르며 주의 깊게 연구할 가치가 있는 작곡의 중요한 측면입니다. 이에 대해서는 잠시 후에 작사 파트에서 다시 말하겠습니다.
브릿지(Bridge) 쓰기
이제 노래에는 절(Verse), 후렴(Chorus)이 포함될 수도 있습니다. 채널 또는 릴리스라고도 불리는 브리지는 다른 섹션의 반복을 완화시켜 주는 섹션입니다. 완전 똑같은 부분이 반복되면 노래가 단조로워 집니다. 예를 들어, 1절에선 A-B-C-Chorus의 형태로 진행되었다면, 2절에선 A-B-C- Bridge-Chorus 이런 식으로 진행되는 겁니다. 이런 방식을 사용하면 지루함을 피할 수 있습니다.
브릿지는 다양한 방식이 있습니다. 다른 키로 전조할 수도 있고, 이전에 나온 가사를 약간 변형한 것일 수도 있습니다. 가장 일반적인 전조는 반음 또는 온음이며, 이는 노래의 긴장감과 흥분을 높이는 경향이 있습니다. 유사한 효과를 위한 또 다른 장치는 베이스와 드럼이 빠지거나 때로는 다른 악기가 생략되는 브레이크다운(Breakdown)입니다. 이는 특히 악기를 다시 추가할 때 긴장감과 흥미를 불러일으킵니다. 이러한 기법들은 함께 또는 따로 사용할 수 있습니다.
가사(lyrics) 쓰기
가사를 만드는 것은 작곡 과정에서 필수적인 부분입니다. 지금까지 주로 음악 작업을 했다면 이제 멜로디에 맞게 가사를 제작할 차례입니다.
앞서 언급했듯이 가사엔 운율이 있습니다. 시를 생각해 보면 될 것입니다. 운율은 가사의 의미와 청취자가 어떻게 해석할지에 영향을 미칩니다. 이를 염두에 두고 좋아하는 노래를 한 번 들어 보세요. 잘 쓰인 가사는 명곡을 이루는 필수적인 요소입니다.
작곡할 때 가사부터 시작하는 사람도 있고, 아니면 작사가와 협업해서 작곡에만 집중하는 사람도 있습니다. 가사는 작곡전이나 후에 쓸 수 있습니다. 아니면 멜로디와 가사를 같이 쓸 수도 있죠. 정해진 방식은 없습니다.
먼저 가사를 쓰든, 다른 작가들과 협업하든, 자신의 음악에 맞게 가사를 만들든, 목표는 노래의 내용을 어떻게든 표현하고 적절한 분위기를 전달하며 자신과 청중에게 감동과 영감을 주는 완벽한 조합을 찾는 것입니다. 어떻게 하면 내가 하고 싶은 이야기를 잘 전달할지 생각해 보세요.
가사를 쓸 때 직접 불러보는 건 아주 큰 도움이 됩니다. 글로 볼 때는 괜찮은 가사 같아도, 직접 불러보거나 읽어보면 다른 경우가 아주 많습니다. 여러 번 테스트해서 자연스럽게 가사가 불리도록 만들어 보세요. 단어를 바꾸는 것도 도움이 됩니다.
듣고 피드백하기(Feedback)
노래를 다 만들었다면 자신이 한 일을 다시 듣고 무엇이 잘 되고 있고 무엇이 잘 안 되고 있는지 생각해야 합니다. 그런 다음 적절하게 조정할 수 있습니다. 하루나 이틀 후에 다시 와서 듣는 것도 좋은 생각일 수 있습니다.
작곡 과정 중 어떤 부분이 가장 잘 작동하는지, 어떤 부분을 개선해야 하는지 관찰하세요. 작곡 주제에 관한 매우 유용하고 영감을 주는 문헌이 많이 있기 때문에 작곡과 작곡가에 관한 책을 읽는 것도 정말 도움이 될 수 있습니다. 공부하면 많은 것을 배울 수 있습니다.
이후에 녹음을 하고, 악기를 추가하거나 빼는 등 다듬는 과정을 거치면 노래가 됩니다. 이 과정을 리마스터링이라고 합니다.
창의적인 결과를 촉진하기 위한 작곡 팁들
- 독창적인 노래 아이디어에 대한 인식과 능력을 개발하고 향상시키기 위해 노력하십시오. 항상 노트를 가지고 다니면서 영감이 떠오를 때마다 메모해 보세요. 나중에 요긴하게 쓰일 지 모릅니다.
- 함께 협력할 다른 작곡가와 작사가를 찾아보세요. 함께 작곡하고 싶은 사람들의 명단을 만들고 함께 모여 노래 작업을 할 시간을 계획하세요. 다른 사람과 작업하는 건 내게 없던 새로운 영감을 주기도 합니다.
- 작곡 과정을 변화시켜 보세요. 평소 접근 방식과 반대 순서로 노래의 다른 부분을 작성합니다. 의외의 좋은 결과가 나올 수도 있습니다.
- 다른 예술 형태에서 영감을 얻으세요. 모차르트 음악을 듣거나, 단편 소설을 읽거나, 미술관을 방문해보세요. 예술 작품을 연구하고 작품이 당신에게 영감을 주는 감정을 적어보세요. 당신이 쓴 단어에 맞는 멜로디를 만들어보세요.
마치며
지금까지 작곡을 하는 일련의 과정을 설명해 봤습니다. 다시 한 번 이야기하지만, 절대적인 규칙은 없습니다. 꼭 위에 서술한 순서를 따를 필요가 없습니다. 일단 시작해 보세요. 거기에 살을 붙이고, 다듬어 나가면 분명 좋은 노래를 만들 수 있을 겁니다.
제 게시물 중 작곡에 도움이 되는 글 몇 개를 같이 첨부합니다.
